A fachada da Casa Grim, no bairro de Pinheiros, em São Paulo

Quem vê a simpática vitrine da Casa Grim, no bairro paulistano de Pinheiros, pode imaginar, por alguns instantes, que se trata de mais uma loja  que vende os tão em voga móveis vintage em versão restaurada. Mas a proposta do projeto criado pela empresária Tânia Grimaldi vai além. Na verdade, a missão da loja é trazer de volta à vida peças que carregam uma boa dose de memórias.

"Fui executiva de multinacionais por 16 anos. Até que um dia passei a questionar se valia mesmo a pena investir energia e talento em empresas de consumo massivo", conta ela. "Quando resolvi seguir outros rumos, não quis que meu novo trabalho vendesse algo apenas por vender. Aí veio a ideia de buscar o afeto além do concreto e do objetivo. Foi assim que descobri o móvel como veículo de conexão emocional."

A poltrona Mad Men incorporou uma nova paleta de cores para se adaptar aos tempos atuais

Em seu ateliê recém-inaugurado, Tânia faz as vezes de curadora que recebe clientes interessados em dar a seus móveis antigos uma imagem mais charmosa e pessoal – além de auxiliar na busca por itens específicos de um estilo desejado. “Já existem coisas demais no mundo”, afirma ela. Quando chega uma nova peça, ela faz uma pesquisa sobre a história do móvel e uma entrevista com o cliente quanto à sua trajetória. Tendo em mãos o estilo, o ano de criação, os materiais e, claro, por onde ele já passou, a quem pertenceu e para onde vai, Tânia começa um processo criativo que, em nenhum momento, desrespeita suas características originais. "Houve uma vez em que trouxeram uma cristaleira tratada com diversas camadas de betume. Quando retiramos o revestimento que a avó da cliente tinha aplicado, descobrimos um trabalho magnífico de machetaria que dispensava qualquer outra intervenção. Fico até arrepiada em lembrar desse caso."

Para dar novo fôlego às peças, Tânia – que é formada em administração – conta com a ajuda de um time especializado de marceneiros, tapeceiros, costureiros, empalhadores e artistas plásticos escolhidos a dedo. "Como sou nova na área, meu estudo de design é algo constante e diário. Por isso sempre que surge um novo desafio, vou em busca de parceiros que me ajudam a fazer o melhor trabalho possível", conta ela.

Além de organizar e gerenciar todos os detalhes da execução do projeto, a loja conta com um acervo de tecidos comprados pelo mundo que adicionam cores contemporâneas aos móveis de época.

Apesar de oferecer um serviço diferente, a Casa Grim dispõe de algumas peças garimpadas por Tânia que servem como um showroom do que ela pode fazer. "Essas peças são uma amostra para ganhar a confiança do cliente. Mas nosso foco é mesmo valorizar as coisas do coração."

Quem quiser conhecer a loja pode aproveitar o Música na Calçada, evento que acontece no próximo sábado (31/1) e transforma a vitrine do espaço em palco para shows de música e uma mostra de arte.

O carrinho de chá ganhou revestimentos em tons vibrantes

"Respeitamos desenho e as características originais de cada móvel", conta Tânia. Na imagem, um armário que teve a textura natural da madeira preservada

O armário de pés curvos ganhou um tom de lilás contemporâneo para se transformar em um divertido bar

O carrinho de chá ganhou nova marcenaria e recebeu revestimento dourado nas partes metálicas

As banquetas Foguete incorporaram a leveza dos tecidos florais

A Casa Grim tem um acervo de tecidos garimpados pelo mundo capazes de dar vida nova aos móveis

Pontos de cor levam contemporaneidade a móveis como a estante cinquentista da foto

As banquetas no estilo Thonet tiveram o detalhe mais marcante  – a madeira curva – ressaltada pelo vibrante tom de amarelo

"Lidamos o tempo todo com o limiar entre o preservar e  o criar. Busco sempre fazer algo novo sem desrespeitar o design original", conta Tânia Grimaldi

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Quando as temperaturas sobem, nada melhor que aproveitar o sol e a energia da estação e levar alguns momentos do dia a dia para o lado de fora. No ambiente retratado, criado pelo australiano Adam Robinson, a área externa se torna o palco de deliciosas refeições. Para começar, optou-se por uma mesa de madeira que funciona muito bem ao redor de tanta natureza, além de resistir bem às intempéries meteorológicas. Em contraste, foram escolhidas cadeiras leves e metálicas na cor branca e almofadas com estampa vermelha – cor que faz uma bela homenagem ao verão. E como em algumas horas da tarde o sol passa de aliado para inimigo, nada melhor que se preparar para combatê-lo. Enquanto a sala de jantar outdoor fica debaixo de uma frondosa árvore, um guarda-sol listrado – referência navy – está pronto para gerar um recanto cheio de frescor.

Quer ver mais ambientes inspiradores como este? Acesse o board de decoração no Pinterest da Casa Vogue e faça uma coleção dos seus espaços favoritos!

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A síndrome do ninho vazio pode ser um período difícil para os pais, mas também uma oportunidade de transformação. Um bom exemplo desse refresh aconteceu em Birmingham, na região de Detroit, Michigan, onde um pai solteiro resolveu reinventar seu modo de viver após os filhos levantarem voo do lar. Para a tarefa, foi contratado o estúdio Mcintosh Poris, que recebeu ajuda da designer Gayle Shaw Camden. 

Com cerca de 200 m², a casa original dos anos 1960 era confortável, mas possuía um visual ultrapassado e diversos espaços fechados. O arquiteto Michael Poris decidiu mexer no fluxo interno e adicionar novas áreas. Aproveitou o que costumava ser o telhado da garagem para criar uma varanda, que além de expandir a parte íntima da casa, localizada no segundo andar, deu ao espaço uma leitura mais moderna. Encapsulando a varanda, venezianas do piso ao teto permitem flexibilidade de uso do espaço, e garantem privacidade e proteção quando o clima é desfavorável.

A nova área permitiu expandir ainda a suíte principal, transformando-a em um espaçoso ambiente, que ganhou um banheiro mais amplo e um living íntimo. No teto, usou-se madeira reciclada, que o dono da casa – profissional do setor criativo -, deixou exposta ao ar livre para que as intempéries se encarregassem do tom de pátina desejado. Uma cama customizada, com encosto bem alto e estrutura similar às janelas, além de uma mesa feita de peças industriais vintage, completam a originalidade do cômodo. Outra mudança é a presença da natureza no espaço, que só foi alcançada graças às novas aberturas.

A escolha dos materiais foi um fator muito importante nesse processo de atualização da casa. Sempre que possível, usou-se cedro para revestir as paredes externas. Por dentro, o componente se faz presente desde as colunas até o forro do teto e mobiliário, o que dá um toque bastante acolhedor. No living removeu-se todas as paredes possíveis, mantendo-se apenas as colunas imprescindíveis, o que deu à antiga casa aquela desejada amplitude dos lofts nova-iorquinos. O mobiliário é bem editado, composto apenas por peças necessárias, e evita excessos. Tudo para criar algo próximo a um ambiente relax, conectado à natureza e às vistas do jardim.

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A casa flui com uma informalidade elegante. Michael aplicou eximiamente aos espaços a sensibilidade de equilíbrio entre o cheio e o vazio, filosofia que trouxe dos tempos em que morou no Japão, criando um clima zen por toda a casa. Enfim, um lar praticamente novo foi criado para servir de inspiração e ponto de partida para o próximo capítulo na vida de seu proprietário.

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Tóquio é conhecida pela sua densa malha urbana, com casas apertadas e hospedagens-cápsula. Em uma cidade onde cada metro quadrado é tão valioso, ter luxo é sinônimo de desfrutar muito espaço. É essa a promessa do recém-inaugurado hotel da rede Aman na cidade, cujas suítes possuem de 71 m² a 157 m².

O Aman Tokyo ocupa os andares 33 a 38 da nova Otemachi Tower, no distrito financeiro de mesmo nome. A arquitetura, do escritório Kerry Hill Architects, investe em amplas janelas de vidro do piso ao teto. Elas inundam os ambientes de luz e permitem enxergar de cima o desenrolar caótico da cidade.

Já o interior é pura tranquilidade. A começar pelo lobby, com pé-direito que corta seis andares do centro do prédio. Parte das paredes é coberta por painéis de papéis washi, esticados pela tradicional moldura shoji. O arranjo, inspirado em uma lanterna japonesa, reflete a luz solar durante o dia e cria cenas luminosas durante a noite.

Embaixo fica o jardim de inverno, onde um enorme vaso com arranjo de ikebana se sobrepõe a um espelho d'água. A sensação de proximidade à natureza é complementada pelo jardim de pedras, com dois rochedos trazidos do norte do Japão.

Dentro das suítes, o clima zen continua, com ambientes integrados e poucos adornos, o que atrai a atenção para os revestimentos naturais, como a madeira. Cada um dos 84 quartos tem um amplo ofurô, a tradicional banheira de imersão.

A capital japonesa tem mais estrelas no Guia Michelin do que qualquer outra cidade. Natural, portanto, que o hotel tenha três espaços para comer. Localizado no térreo do prédio, o The Café oferece almoço e jantar com vista para um bosque. No 33º andar, os hóspedes desfrutam de lanches e drinques no The Lounge, onde olham através de janelas que emolduram o Monte Fuji. E apreciadores de culinária japonesa e asiática podem jantar no The Restaurant, no qual uma seleção desses pratos ganha um toque mediterrâneo.

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Antonio Santin em seu ateliê no Brooklyn

Ele nasceu em Madrid (Espanha), estudou em Atenas (Grécia), viveu em Berlim (Alemanha), e agora trabalha em Bushwick, no Brooklyn (Nova York). Famoso por fazer gigantescas pinturas hiper-realistas de tapetes, Antonio Santin é um nômade nato. Seus interesses e influências, no entanto, revelam um artista (ainda) bastante enraizado.

Apesar do sucesso das telas com trompe-l'oeil de virtuosidade indiscutível, Antonio iniciou a carreira fazendo esculturas (aos curiosos, ele tem um monumento no centro de Madrid). “Acabei usando algumas técnicas da escultura nas minhas pinturas e um dia quero fazer o trabalho inverso: voltar a esculpir com o que aprendi pintando em mente. Mas, infelizmente, ainda não tive tempo para isso”, explica o artista em uma conversa por Skype. 

A partir de 2006, ele passou a procurar, então, modelos e tentava fazer uma espécie de natureza morta selecionadas em seus ambientes. Reparava muito nos vestidos destas mulheres, que pareciam envelopar algo que deveria ficar contido. O fetiche pelas roupas acabou se tornando tão predominante na composição, que o espanhol começou a expandi-las para os limites da tela. Adicionou uma pitada de humor negro e…Bingo: nascia a série tapete. 

Fall (2010) – O artista começou a carreira de pintor fazendo uma espécie de natureza-morta de modelos em seus apartamentos

Wonderwall (2014)

Detalhe da tela Claire (2014)

Grawesome (2014) – Obra apresentada na Art Stage Singapore em janeiro de 2015

Ao olhar para seus trabalhos mais antigos – retratos de mulheres em posições um tanto passivas – e para as formas dos tapetes atuais, que lembram corpos humanos, conclui-se, em um primeiro olhar, que trata-se de cenas criminosas combinando sedução e perigo… Mas Antonio propõe camadas de significados muito mais profundas.

“Não interessa se os volumes são homens ou mulheres, se estão vivos ou mortos. São naturezas-mortas que falam de nossos segredos mais obscuros e mais profundos pesares", esclarece. O resto? Fica a cargo da imaginação do espectador. Influenciado pelo cinema noir, com uma dose de estética barroca, Antonio não quer me revelar muitos detalhes sobre o que estaria sob os tapetes…”Prefiro deixar no ar”, exclama.

Afinal, a grande questão aqui – vale lembrar – não é o tapete em si, como objeto, mas o que está entre o espectador e o que está atrás dele. O resultado? A dicotomia entre a beleza luminosa e o poder de atração dos desenhos perfeitos versus tudo aquilo de mais obscuro que queremos esconder debaixo do tapete.

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Essa vontade de ser enigmático, aliás, nasceu da admiração pelo cinema noir: “Trevas e luz. A superfície da tela contém a essência do volume, cuja fisicalidade permeia apenas no território da imaginação. Portanto, mesmo se tratando de um rosto, um vestido ou um tapete, é tudo sobre agarrar o que está oculto ou dissimulado.”

Ser dissimulado, aliás, é – para ele que viveu tanto tempo entre alemães e americanos – uma habilidade dos latinos. “As pessoas são muito diretas na Alemanha e nos Estados Unidos. Já na Espanha ou México existem sempre mensagens por trás de tudo…mil camadas e significados diferentes.”

Fã de artistas como Chema Madoz, Fred Tomaselli e Santiago Sierra, Antonio não deixa de lado os ensinamentos e revoluções dos grandes mestres da pintura espanhola na Idade de Ouro e usa a técnica do chiaroscuro para criar a sensação tridimensional. “É uma condição estética e moral com raízes profundas na cultura espanhola. A manipulação da luz conduz e, conscientemente, mergulha o espectador em um contexto teatral, na qual tudo é irreal. Apenas a pintura propriamente dita é real; o resto, uma ilusão.” As infinitas camadas de acrílico e óleo sobre tela também o ajudam nas texturas ricas e táteis.

San Martin (2013)

Tantrum (2014)

Marea Roja (2013)

Ou seja, a textura colorida e hiper-realista atrai o olhar e, em seguida, desencadeia ou sedia – eventualmente – a psicologia única de quem vê. Confira, abaixo, hightlights do nosso papo.

O que você mais gosta sobre seu ateliê em Nova York?
É um loft com grandes janelas, tem pé-direito alto, luz natural e é relativamente calmo. Fica em um prédio industrial em Bushwick, um dos bairros do Brooklyn que está na moda e onde a maioria dos artistas se concentra. Os outros três edifícios que me cercam são um refúgio para sem-teto, uma fábrica de pão abandonada – locação para raves frequentes – e um armazém enorme de venda de produtos chineses por atacado.

Metade dos edifícios da área, aliás, pertence à comunidade chinesa, e a outra parte é dominada pela comunidade judaica chassídica, mas a população original é essencialmente latina. No entanto, o aumento de interesses sociais e imobiliários, acelerou o processo de “gentrificação” do bairro – o que começou a empurrar hipsterland até os confins da Ridgewood.

O que você escuta quando está pintando?
O que mais escuto enquanto eu trabalho é poesia. Há uma quantidade quase infinita de podcasts de Chacho Marzetti online. A combinação entre técnicas que eu uso – com as quais é fácil entrar em um fluxo de meditação – e sua voz é maravilhosa, as horas voam.

Você disse que hoje é difícil prender a atenção dos espectadores, acostumados a outros ritmos que nada têm a ver com o tempo da pintura – o da televisão, por exemplo.  Como um pintor pode lidar com a nova ideia de tempo no mundo de hoje?
Como disse Oscar Wilde "Viver é a coisa mais rara do mundo. A maioria das pessoas apenas existe". A atenção tornou-se um recurso cobiçado e escasso, pois a saturação de informações nos deixa indiferente ou ansioso – dois estados inadequados para a contemplação silenciosa.
Não basta, para o pintor, capturar um curto período de atenção de alguém porque a pintura sempre foi uma linguagem lenta que realmente só é entendida com o corpo. No entanto, algumas pessoas olham para uma pintura do mesmo modo que assistem TV, e por isso exigem mudanças radicais a cada “temporada”. Querem um enredo e esperam sempre mais…em um ritmo cada vez mais frenético.

Mas a realidade é que o tempo não existe na pintura e o pintor sempre esteve nu diante de sua própria desinformação. Por isso, é importante preservar certo isolamento, para ouvir a nossa própria voz claramente.

Você afirma que a obra não é apenas um objeto, mas um “gesto de fuga da neutralidade”. Poderia explicar esta afirmação?
Quando penso em arte primitiva me parece inconcebível o sentido da decoração. Acho que pintavam reflexões, um espelho que lhes garantia a transcendência e projeção para o futuro e sua leveza no mundo.

Este impulso permanece latente em cada ato criativo, o artista inevitavelmente mumifica suas circunstâncias de vida e, assim, se rebela contra a aparente aleatoriedade de sua existência e a ideia trágica de deixar apenas passos para o mundo. Toda a arte, no entanto, é essencialmente inanimada e é quem a aprecia (ou participa) que lhe dá fôlego. Assim, as testemunhas são tão importantes quanto o criador.

Você mencionou o filme noir. Há, de fato, o mesmo mistério nas suas pinturas. O que mais lhe atrai nesse tipo de cinema? Pode citar algum que você gosta?
Acho que a minha geração herdou e tem internalizado muitos dos clichês do cinema preto, banalizando-os com ajuda da cultura pop para digerir tudo como uma paródia cínica, nos privando de toda possível densidade psicológica ou ligação com a realidade.

Esse romantismo dark, como celebração de uma sexualidade oculta ou ocultada, é a fronteira que me interessa e tenho explorado em minhas composições. Minha relação com o noir é, de qualquer forma, tangencial e mais subconsciente que intencional.

As fronteiras do gênero são um tanto difusas, o primeiro filme que vem à mente é o Taxi Driver, um neo-noir que agora fiquei com vontade de rever.

Você foi um sucesso na última Basel de Hong Kong e acabou de se destacar na Art Stage Singapore. Por que, em sua opinião, suas peças tocam tanto os colecionadores asiáticos?
Há muitos aspectos da sensibilidade e espiritualidade oriental presente na minha vida diária. Também admiro e estudo os milhares de anos de visão artística deles. E isso, claro, enriquece meu trabalho. É uma influência desejada e cultivada que pode ressurgir nos aspectos mais delicados do meu trabalho. Quem sabe. Este vínculo transcultural pode vir à tona nesses detalhes, filtrados pelas minhas referências mediterrâneas.

Antonio em seu ateliê em um prédio industrial, cujas janelas generosas facilitam a entrada de luz natural. Espaço perfeito para um pintor

Antonio prefere pintar com a luz matinal em seu ateliê em Bushwick, um dos bairros do Brooklyn

Volver (2013)

Ele mistura tinta acrílica e óleo para conseguir produzir texturas ricas e hiper-realista

Yeh (2013): o interesse pelas estampas e texturas dos vestidos (e o que estava contido neles) evoluiu para a série de tapetes

O ateliê do pintor é rodeado por armazéns e fábricas abandonadas

Um pouco dos materiais usados por Antonio em seu processo criativo

Apesar de usar as regras do chiaroscuro, ele desenvolveu uma técnica própria para que seus tapetes ficassem extremamente sedutores

Detalhe de uma das obras apresentadas em Singapura

Obra sendo finalizada para a feira de Singapura. O artista espanhol tem um número significativo de colecionadores orientais

Schönleinstrasse (2010): as modelos de Antonio posavam em atitude passiva em suas próprias casas

Depois de morar em Madrid, Atenas e Berlim, Antonio estabeleceu-se em Nova York, onde mora a maioria de seus colecionadores

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Para nós do Vamos Receber sobremesa é coisa muito séria. Costumamos até dizer que não é uma questão de fome, é uma questão de felicidade mesmo.

Nosso post de hoje é sobre uma sobremesa pela qual temos verdadeira loucura: o italianíssimo Tiramisù. A receita – divina! – é do nosso querido chef de cozinha Weslley Moralles. Facílimo de fazer e com uma apresentação incrível, não há quem resista. Nossa sugestão é prepará-lo em taças de Martini, mas ele também fica belíssimo quando preparado com um aro, em taças de sobremesa ou em travessas.

Vamos à receita?

Os ingredientes estão abaixo e a quantidade sugerida serve 10 pessoas.

Modo de preparo

1. Com uma batedeira, bata o queijo mascarpone com açúcar e acrescente os ovos um a um, até que fique uma massa homogênea.
2. Misture o café e o conhaque. Mergulhe rapidamente o biscoito champagne nesta mistura, coloque-o no fundo da taça.
3. Cubra com um pouco do creme batido. Com o auxílio de uma peneira, polvilhe o chocolate em pó. Repita o processo.
4. Por fim, cubra com o creme, decore com o chocolate ralado e polvilhe novamente com o chocolate em pó.
5. Leve para a geladeira por aproximadamente 2 horas.

Dica: Antes de ralar o chocolate, coloque-o no microondas por 20 segundos.

Impossível não ser feliz assim, não é verdade?

Um beijo!

Thais Senna e sua sogra, Maria Emilia Senna, são apaixonadas por vestir a mesa, especialmente para receber amigos e familiares queridos. A dupla comanda o blog Vamos Receber, que traz sempre uma novidade sobre o tema.

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